2024年ART0219位组画廊代表分享艺术界深入洞察！

  ART021上海廿一当代艺术博览会（下文简称“ART021”）来到第十二届，我们做了一次特别“展商集结”，即包含国际蓝筹画廊，也有来自全球各地的画廊新秀。9位画廊主与画廊代表与我们分享了十余年来的艺术观察：尽管近年的上涨的速度有所放缓，他们对中国市场依然保持乐观；相较于经历了“摸着石头过河”的资深藏家，新生代拥有国际视野以及扎实的艺术知识，早早便建立了自己的收藏体系。此外，我们还与展商聊了聊作为藏家和画廊主的异同、中国艺术市场的发展的新趋势、画廊的社会责任

  安邸AD：白立方带来双人展，呈现比利时艺术家布拉姆·博加特（Bram Bogart）艺术遗产以及韩国当代艺术家李镇雨（Lee Jin Woo）的作品。他们的作品构成什么样的对话关系?

  两位艺术家的艺术生命同样都以开放的状态探索艺术语言的延展性，他们致力以风格化手法深化诠释着抽象绘画的意义。他们各自深植于东、西方的文化土壤，巧合的是在一个时期的绘画风格上都有浮雕般的堆砌感。

  他们的作品达到了一个形而上的高度，这次双个展的融合尝试，是一次“音乐性”的举动，笔触、痕迹是节奏，是韵律。不论是灵性的、东方哲学的黑白，或者是浓重的、物理般的、张力的色彩，都是心灵的音乐，也是对宇宙观的诠释。

  据我个人的观察 ，近几年藏家群体在年龄上有变化，很多年轻的藏家及艺术空间开始不断涌现，有不少藏家有在海外留学的艺术专业背景。他们在收藏的过程中有敏锐的观察力以及深层次的思考，收藏体系比较完善，趣味性强。除去紧贴艺术市场的变化，也会基于在自身对艺术审美的角度去强化自身的收藏。

  这一次我们也希望将已故韩国单色画派艺术家朴栖甫（Park Seo-Bo）介绍给中国观众，通过展示艺术家20世纪70年代到近几年的几件作品，向观众介绍这位艺术家。艺博会开幕期间，白立方纽约空间会在11月8日呈现他在2023年去世前完成的晚期系列作品“报纸描法”（Newspaper Ectriture） 。

  安邸AD：香格纳带来不同代际的14位艺术家。在展位的整体呈现与策展上，画廊是如何考量的？作品之间有咋样的对话关系？

  赵洋，《静物 QE》，2018-2024年，布上油画、丙烯，104x84cm。©艺术家与香格纳画廊

  施勇，《我忘记了那个问句》，2023年，树脂、铝板、石墨粉，110x130x11cm。©艺术家与香格纳画廊

  香格纳画廊以群展形式呈现，以绘画作品为主，同时也包含若干摄影、雕塑和装置作品。这些作品大多是艺术家在2022年至2024年间创作的新作，紧密相关于日常生活体验，视觉上轻松且充满趣味性。这些作品一同探讨当代生活的多个层面，以及在不同艺术形式和表达方式中找到共鸣，其中曹澍、吕岩和蒋小余的作品首次亮相于博览会现场，旨在创造一个丰富、多样化且新鲜的视角。

  余友涵，《抽象 206#4》，2017-2018年，布上丙烯，206x206cm。©艺术家与香格纳画廊

  余友涵的大尺幅经典抽象绘画作品，它能让人停留在画面前驻足观看很久。余友涵作为“老大师”是中国当代抽象艺术的重要开创者之一。自1985年以来，他的“圆”系列创作不断实验与深入探索及演变，相似的笔触以各式的形态呈现出多样的画面。同时结合了多重透视技巧和对中国文化本体结构的深入研究。巧妙地融合了中国的视觉符号和西方艺术的表达方式，创造出独特的艺术风格。

  安邸AD：据您观察，中国收藏市场在近年有何重要趋势？香格纳的藏家群体有咋样的发展或变化？

  藏家群体扩大，变得更年轻，有些人是从小跟随父母看展，现在他们也将艺术作为自己的爱好，并不断扩散辐射。他们有更广泛的教育背景，不再是艺术或文化和设计相关联的行业，也有理工、科研等技术行业的观众。年轻的藏家通常更愿意尝试新的艺术形式和概念，而年轻艺术家通常更愿意在他们的作品中进行实验和创新，这种双方的开放心态能够在一定程度上促进新的创意和艺术实践。

  安邸AD：除了已经代理的艺术家，画廊最近在关注哪些艺术家，或什么类型的作品？

  香格纳今年与非常多位优秀的艺术家有了新的合作，在西岸中环和苏河两个新空间的开馆展，大部分都是首次呈现亮相艺术家，像鲁钰、张文心、葛辉、高英普等，蒋小余也是我们在ART021上呈现的新艺术家。

  他们的创作中都向时代反映了自己的态度，进一步丰富了艺术世界中已有的多样态度。他们的跨学科背景和多元文化融合；对于社会议题保持关注；更有态度、有性格；作品生动且具有冲击力……这些都为画廊带来了活力，也和我们想要展示的面貌一致。

  斯科特·卡恩（Scott Kahn），《回旋驾道》，1983年。©斯科特·卡恩，图片由艺术家和卓纳画廊提供

  卓纳期待在ART021展现画廊代理艺术家的全面图景，既有成熟艺术家，也不乏新秀。吕克·图伊曼斯（Luc Tuymans）、斯科特·卡恩（Scott Kahn）、尼奥·劳赫（Neo Rauch）将呈现他们的绘画。摄影作品则增加了展位的当代感，其中包含一幅沃尔夫冈·提尔曼斯（Wolfgang Tillmans）为好莱坞女星朱迪·福斯特创作的肖像。

  此外，吕克·图伊曼斯的大型个展“吕克·图伊曼斯：过去”将在11月16日在北京UCCA尤伦斯当代艺术中心开幕，展出80幅精选作品，是在中国对其艺术生涯的首次全面梳理。卓纳画廊香港空间也将在本月下旬揭幕美国艺术家鲁斯·阿萨瓦（Ruth Asawa）在大中华地区的首场个展。

  吕克·图伊曼斯（Luc Tuymans）的绘画《笑脸》是不可错过的亮点，描绘了飘在空中的热气球，虽然热气球上描绘了笑脸，却有一种诡谲氛围感。这幅绘画是艺术家近年的代表性作品之一，游移于日常体验与宏大叙事之间。画面的线条处理稍显模糊，暗示了原始图像可能来自电子屏幕，这也彰显出艺术家在数字时代对绘画的突破。

  吕克·图伊曼斯，《笑脸》，2022年。©吕克·图伊曼斯，图片由艺术家和卓纳画廊提供

  玛玛·安德森，《旧袜子脸》，2024年。©玛玛·安德森/纽约艺术家版权协会（ARS）/ Bildupphovsrätt，瑞典。图片由艺术家及卓纳画廊提供

  瑞典艺术家玛玛·安德森（Mamma Andersson）的作品《旧袜子脸》我个人也非常喜爱。画面描绘了月光下行进的队伍，有一种迷人的神圣感，同时也隐喻了当下时代的种种未知性。

  即便市场增速放缓，大陆市场已然稳固且重要。藏家在近年变得更加审慎，相较于变换不断的流行趋势，他们更青睐已经被写入艺术史的艺术家，他们的作品展现出恒久力量感。因此，卓纳画廊很注重与大陆藏家及艺术机构的长久合作，同时我们也很欢迎新藏家加入。

  安邸AD：首次参加ART021艺博会，画廊带来申京美、Piero Golia和杨世斌的作品。他们共同塑造着一种什么样的叙事？如果只能选一件，展位上你的最爱是哪件作品？

  杨世斌，《金镜旧梦》 ，2024年，布面油画，24x30cm。©艺术家与桉画廊

  这三位的形式、媒介和观念都一点也不相同，但是他们都在作品中诠释了自己对于时间和空间的探索和思考。展位上为数不多的作品都是经过我们激烈的探讨带来的，每件都是精选。申京美用独特技法创作，着眼于针对东方主义的批判，讲述了历史中的双重叙事；杨世斌则在特定的面孔中呈现恒久不变的非物质性。

  皮耶罗·戈里亚 ，《间隙系列 #43：蓝到紫》，2015年，EPS泡沫、硬质涂层、颜料，188x122x14cm。©艺术家与桉画廊

  艺博会同期，皮耶罗（Piero Golia）在我们的画廊新展在地创作了一件大型装置。通过最近一段时间的共处、探讨，以及亲眼观看他的创作过程，都让我对他的作品有了更深刻的了解。皮耶罗关注将艺术家的“自我”（ego）抽离之后，作品与社会、与观众所产生的互动和联结。他的很多奇思妙想都让我觉得难以置信。这次展位带来的巨大装置——《间隙绘画》是他之前创作的剧目后留下来的”遗迹”，包含着他在创作时兴奋的刹那，观众在欣赏巨幕时受到震撼的瞬间，最后承载着这一切记忆的雕塑本身——以及无穷无尽的关于这一个符号的瞎想。

  申京美（Kyungmi Shin），《看不见的女人 #9》， 2024年，木板、照片转印、丙烯。101.5x70cm。©艺术家与桉画廊

  申京美（Kyungmi Shin），《看不见的女人 #10》， 2024年，木板、照片转印、丙烯。101.5x70cm。©艺术家与桉画廊

  申京美（Kyungmi Shin），《静物与收音机》，2024年，木板、照片转印、丙烯。 91x122cm。©艺术家与桉画廊

  安邸AD：在创办画廊之前，你们首先是藏家和艺术赞助人。为何决定创办画廊？又为何选在2022年“入市”？

  收藏对我们都是很私人的事情，我的收藏理念格外的简单——购买能力理范围内能够产生共鸣的作品。创立画廊对我们而言是一种角色上的转变，所处的角度和承担的责任也会有很大的不同，我们大家都希望能够通过画廊进行学术输出和整理，以及对艺术家和展览的曝光，成为艺术的从业者。

  近年整个国际艺术市场进入瓶颈阶段，在这一个时期决定设立新的画廊空间就如我们的责任和愿景所在——希望能像巨石投入水中激起浪花。能够在最困难的环境中开始摸索以及生存，为我们的未来发展打下良好的基础——艺术交易本身就是一个非常缓慢和艰难的过程。

  目前我们的藏家以80后为主。由于画廊独特的位置，愿意专程来观展的基本都是专业观众和艺术爱好者。他们普遍非常享受深度交谈以及能够独立思考的氛围。

  我们最近非常关注莱斯利·桑顿（Leslie Thornton）， 她在毕生的创作中探讨人类如何看待和理解这个世界。她的最新作品《HANDMADE 》（2023 年）是一部视频双连画，用科技手法呈现自然。她将感官性和表现主义手法融入严格的几何构图中。在网格内部和外部营造出一种绘画感的感官性，从而在精准的表达和不可言喻之间保持一种恒定的关系。

  安邸AD：立足迪拜画廊，INLOCO象征东方与西方、历史与当下的交汇。为何决定参加上海ART021？

  画廊关注不同文化的交叠，交叠引起独具活力的互动——这种互动在迪拜尤其显著。我们被上海的城市活力所吸引，如同迪拜，它是重要的国际都市，经济与文化的能量在此筑起东方与西方之间的桥梁。

  在ART021，我们期待通过展览传递画廊的精神与价值观，推动传统与现代性之间的对话。我们期待在此遇见与我们拥有相同愿景的藏家，深化我们的跨文化视野，和富有远见的国际观众建立连结。

  这是我们首次参展ART021，我们将呈现Dusto与Filippo Minelli的双人展。Dusto的作品生动刻画了都市活力，而Filippo Minelli则用观念的方法表现自然地貌与人类活动的关系。两位艺术家的探索主题都关乎人类与自然的缠绕关系，同时，他们的作品也传达出截然不同的文化背景与视觉语言。

  Dusto运用生动而富有层次感的创作方法，将都市材质进行诗意呈现。Minelli以地貌为主题的拼贴画面引人入胜，引人反思对空间的占有、抛弃与再想象。两位艺术共同塑造出关于“场所”的对话：我们如何使用场所，反之，场所又会对我们产生何种影响。这种对话映射出画廊的核心议题——艺术家的观点各具性格，又相互补充，显示出当代语境中身份与场所议题的复杂性。

  安邸AD：在选择合作艺术家时，画廊最关注的是什么？画廊期待给藏家与观众传达什么样的信息？

  画廊合作的艺术家的创作与城市空间、街头艺术紧密相关。街头艺术，是艺术家对周遭世界的即时反馈，因此街头艺术也是探讨身份、社交与场所的重要媒介。

  艺术家是具有智慧的观察者和研究者，这也是画廊期待传达给藏家的信息。在每一个展览项目中，我们都融入尽可能全面的艺术叙事，这些项目不局限于画廊空间——我们鼓励艺术家将场所的特质融入创作，感受历史、文化、人类学、社会学等多种维度的力量。这样一来，他们的创作将超越视觉体验，建构对在地与当下的深度探索，藏家也将得以从中获取共鸣。

  安邸AD：为什么选择在洛杉矶创办画廊？在选择合作艺术家时，画廊最看重的是什么？

  洛杉矶是一个让我感到很有生命力的城市，我觉得得归功于它常年的好天气和自由开阔的创作环境。十年前我搬来洛杉矶读书时，身边的艺术家和画廊都是很野生的状态，有很多有意思的“发生”，但与此同时我也观察到洛杉矶的艺术生态对女性和亚裔艺术家关注较少，有很明显的主流与边缘之分。我希望打破这些边界，通过多元化的展览项目让更多我相信的艺术家进入到活跃的当代艺术文化对话当中。

  选择合作的艺术家时，画廊最看重的是原创度、真实性和艺术家对于其实践的投入度。我们希望艺术家能够带来新颖的观点和表达方式，打开我们认知事物的不同通道。

  安邸AD：本届ART021，画廊呈现艺术家彭可最新作品。为什么选择展出这位艺术家？她的作品在哪些地方打动你？

  彭可是我们画廊成立之初一直支持和关注的艺术家。她出生于湖南长沙，在深圳长大，现居洛杉矶和上海。她毕业于罗德岛设计学院，长期关注现代城市中人与人之间的关系以及都市生活中的汇聚与离散。作品记录了现代化进程中的视觉与审美变迁，试图引发观众对都市文化的思考。

  彭可，《舞池》，2024年，铝塑板上油彩和丙烯颜料、彩绘玻璃、铅、锡和胡桃木，125x95cm。©艺术家与MAKE ROOM创造社

  彭可在新系列中继续从摄影媒介出发，探索镜头语言的多样性。她特别对玻璃这一材质有独到的理解，既将其视为保护作品的隐形介质，又视为制成镜头的精密材料。她将玻璃与颜料绘制的图像结合，创造出层次丰富、材料各异的画面，同时通过锡丝等元素保留了各材料的分界。这一系列的作品兼具结构感和视觉冲击力，特别是描绘新疆舞厅的画面，温柔的光线和变幻的场景展现出一种亲密的氛围，使人沉浸其中。

  Sophia Anthony 是一位年轻的当代艺术家，以其细腻的笔触和极富叙事感的作品大受藏家欢迎。她的艺术实践融合了个人经历、文学、和电影的灵感，尤其擅长捕捉亲密、复杂的情感瞬间。Anthony的作品常常通过镜像、光影和场景构造来呈现心理戏剧，让观者在视觉上和情感上都深陷其中。

  在她的作品《A Double Scene》中，Anthony 运用了现实与反射的交织，展现了一个精心构思的场景。画面中，镜中的赤裸上身人物与身后的暗房中孤独的身影形成了鲜明的对比，强化了对个人身份、孤独感、和人际连接的探讨。细致的静物描绘，如花卉与水果，增添了一层生活化的质感，而松散的笔触则进一步模糊了现实与记忆的边界。这种视觉上的复杂性与开放式的叙事是我喜爱这幅作品的原因所在，让人不禁深思画中的关系与隐含的情感。

  安邸AD：MAKE ROOM创办已有6年，据您观察，中国藏家在这些年中有什么样的发展或变化？你观察到了什么样的市场趋势？

  在MAKE ROOM成立的这六年中，我观察到中国藏家群体在多个方面发生了显著的变化：首先，中国藏家整体变得更加年轻化，越来越多的新一代藏家开始加入艺术收藏的行列。他们不仅拥有国际化的视野，更愿意探索新的艺术形式和观念，这让我们与他们的交流充满了活力和互动。这些年轻藏家通常对当代艺术抱有强烈的好奇心，注重作品背后的叙事性和社会意义，这与我们画廊对文化身份和全球视角的关注非常契合。

  其次，中国藏家逐渐从传统的、以投资为导向的收藏模式，向更加多元化和个性化的方向发展。我看到很多藏家开始注重与艺术家之间的关系，愿意支持艺术家长期的创作实践，而不仅仅是收藏成名的作品。这个趋势反映出藏家们更加关注艺术家的成长过程，以及作品背后的人文价值，而非单纯的商业回报。

  画廊在展位上呈现旅法日本艺术家枝史织（Shiori Eda）的全新作品，也是我们第一次在ART021展出枝史织的个展，希望可以带给藏家沉浸式的艺术氛围。策划每位艺术家的展览，并根据他们的作品风格与创作路径制定发展规划，不仅展现了我们对艺术专业性的执着，也使得艺术家在不同的艺博会和机构平台上获得更多的展示机会。我们大家都希望专注于艺术家长期发展的策略，为艺术行业带来更长远的影响。

  我们最喜欢《子宫》这件作品，这是艺术家枝史织创作的最大的作品之一，它描绘人类在面对环境时的无助与脆弱，揭示出一种回归本源的生存状态。作品中的赤裸人类，不带有任何文明的负担，与自然浑然一体，似乎在重新融入地球的怀抱。在这种情境下，人类回到原始状态，探索最基础的生存需求——寻找庇护之所。这种回归的过程唤起了对生命起源的追问：究竟是什么原因让生命在地球上得以诞生？这件作品思考了人类与自然的关系，让观众在审视现代文明的同时，重新探讨人类与自然的原始纽带。

  安邸AD：据你们观察，中国的藏家有咋样的特质？近年来，大陆的艺术收藏呈现出什么样的趋势？

  年轻藏家、中青年藏家和资深藏家在艺术品选择上往往各有侧重。资深藏家通常会选择经过多年研究的作品，或者已经在市场上有一定价值和认可度的艺术品。而年轻和中青年藏家则更倾向于根据自己的喜好、艺术风格来选择作品，尤其是那些有成长空间的艺术家作品。

  中国艺术市场的发展速度确实非常快。相比欧洲和美国，中国藏家市场的变化周期相对较短，可能三到五年就会经历一个变化周期，而欧美的收藏家往往要在十年或二十年以上才会调整他们的收藏方向或更换作品。我认为这种差异很大程度上是与经济发展速度密切相关的。中国经济的快速发展带动了艺术市场的活跃，也促使藏家不断追求新的艺术体验和投资机会。好的艺术家应该扎扎实实地把作品做好，展览的次数不需要太频繁，经过时间的沉淀，艺术作品更能流传长远。

  安邸AD：方孝信先生在画廊介绍中提到关于画廊主的社会责任。可以与我们展开聊聊这种社会责任吗？在实践方面，你们有何行动？

  画廊主不仅是艺术家与收藏家之间的桥梁，也是市场机制的重要组成部分。画廊主通过自己的眼光和经验帮助艺术家找到适合的市场定位，并让作品有机会被更多人收藏与认可。收藏家也在这个过程中扮演着支持艺术发展的角色。通过这样的链接，艺术家的创作不单单是作品，更是一种文化资产，能够持续影响社会。

  在欧洲，画廊主的历史可以追溯到文艺复兴时期，尤其是在意大利。当时，富有的家族作为赞助人来支持艺术家的创作。到了18世纪，巴黎、伦敦等地的艺术市场逐渐发展，一些商人和艺术经纪人开始专注于推广和销售艺术作品。19世纪是欧洲画廊业的关键时期，特别是在法国。巴黎的画廊主们开始为当时的印象派艺术家提供展示空间，以支持他们打破学院派的艺术规范。画廊主通过组织展览、为作品定价，逐渐形成了现代艺术市场的雏形。

  欧洲的画廊主不单单是艺术作品的销售者，更被视为艺术市场中的重要策展人和推动者。例如我们画廊从一开始就会热情参加适合艺术家的艺术展览、艺术博览会，帮助艺术家提升知名度，为收藏家提供专业指导。这种历史传承使得欧洲的画廊主在全球艺术市场中占据了主体地位，形成了其特有的文化和经营模式。

  赛巴斯汀·伯格（Sebastian Burger）个展。首次来到ART021，为何选择带这位艺术家参展？他的作品在哪几个方面打动你?

  Sebastian Burger的创作聚焦于身体、动作和空间，但他用铝制框架等金属元素去强调其中的物质性。作为一位科班出身的艺术家，他曾师从尼奥· 劳赫，作品始终植根于西方艺术史的传统，但画面带着一种超现实的视角，正是这种故事性非常打动我。Sebastian Burger作品中对于数字化现实中的人性、流行、时尚、暴力美学等议题的讨论与当下的时代相契合，也很适合现在这个特定的场域。

  我们的藏家以新生代为主，也包括已经建立收藏体系的资深藏家和机构。藏家们在不断学习，他们关注的媒介也从早期的绘画拓展到了雕塑、装置、影像。今年，THE SHOPHOUSE也在香港揭幕了聚焦于器物和收藏级设计的分支otherthings by THE SHOPHOUSE的实体空间，成功举办了集合各类创意的活动，并且出版图录。我们很荣幸能拥有许多支持我们独特美学的藏家。

  几个月前我去伦敦看了英国皇家艺术学院RCA的毕业展，其中关注到了年轻艺术家Gus Monday。他作品里解构后的空间很有动感，也能在其中看到当代生活方式的缩影。

  安邸AD：画廊带来瑞典艺术家Camilla Engström的个展。她的作品在哪几个方面吸引你？

  自从艺术家在2021年于画廊的斯德哥尔摩空间Hospitalet呈现个展“O’Målningar till Mamma och Pappa”，在过去的三年中，Camilla广泛参与画廊的各个项目，包含个展、群展、驻留。本届ART021展会，画廊将呈现艺术家的第六次个展。尽管周期短暂，我依然为Camilla的展览感到兴奋，因为她的作品总是活力十足。持续为风景绘画带来新的视角。

  她的绘画带有田园牧歌式的和谐感，其中，她采汲取了丰富多样的素材，包含瑞典民俗故事、超现实主义、后印象派……在她的绘画中，还能看到来自瑞典艺术前辈Hilma af Klint与Helmer Osslund的影响。源于历史的素材被微妙地转化成当代的视觉语言。她在伦敦空间的个展“Ro”刚刚结束，此次在ART021的呈现不失为一种延续。她将瑞典地貌与加州的色彩融于一体——加利福尼亚正是她目前生活与创作的地方。

  我很早就留意到了自己的能力：我善于在艺术家的创作初期看到他们的潜力——在艺术家职业生涯早期，他们往往遭到其他画廊的忽视。我对艺术一直有深度兴趣，随着个人知识的增长，以及“数据库”的完善，创办画廊是一桩顺理成章的事情。我在2010年创办画廊，自那时以来，我从始至终坚持在国际舞台上展示艺术新星的作品。目前，我和妻子Katharine Kostyál一同经营画廊，她是策展人、写作者，以及艺术商。

  作为画廊主，我对艺术家的成长与发展肩负责任——尤其在他们职业初期。画廊旗下的艺术家获得成功是我最大的欣慰。与此同时，我也十分享受与艺术家一同构思展览，协助他们完善创想、结出果实。

  这是一件需要通盘考虑的事情——既包括才华，也包括友谊。能量与灵魂是我最看重的特质，而非技术与技法。艺术家需要成长、演进，他们不能被特定的风格或时代所束缚。在当代艺术世界中，怀旧是艺术商最大的敌人。

  我在2006年首次来到中国，那时，中国艺术家的藏家还不太多。我对中国的土地以及这里的艺术家产生了浓厚的兴趣，不论是他们创作中的色彩、构图或文化视野。自那时起，我开始收藏汪建伟、岳敏君、刘韡、曾梵志、刘小东、张培力……我开始收藏仇晓飞的时候，他还是当时的新生代艺术家……在过去的15年中，支持、赞助、展示中国艺术家的作品也是画廊历史的重要组成部分。我们持续挖掘中国的年轻艺术力量，包括赵赵和李姝睿等，我们也与中国的机构进行合作，譬如在2022年，我们在北京木木美术馆呈现了出生于匈牙利的艺术家Szabolcs Bozó的作品。

  在2006年，我感觉东方与西方依然处于二元对立的状态。而在今天，中国艺术图景拥有了前所未有的广度，部分原因也包括中国艺术家拥有了更多在西方旅行、学习、创作与生活的机会。通过与西方画廊以及策展人进行合作，他们的创作也具有了文化交流的意义。这种交流不是单向的西行，也包括西方来到东方的旅程。对画廊而言，把西方艺术家引介给中国观众是至关重要的，我期待他们体验这里的文化与社会，也融入这里的艺术场景，有必要了解中国历史，更需要融入这里的当代场景。

  答案是肯定的。作为藏家和画廊主，我在中国艺术界活跃已有逾20年。这些年中，我与中国的土地、人民有了多种层次上的交流，最终，我也抵达了中国的艺术场景。

  三位评委于评选现场。他们分别是ART021联合发起人包一峰、知名设计师吴滨，与《安邸AD》全媒体内容总监许绿芸。

  每年，《安邸AD》都会携手ART021以及一位特别嘉宾评选3个获奖展位。三位在艺术、时尚、设计、策展、媒体领域的权威评委——设计师吴滨、ART021联合发起人包一峰与《安邸AD》全媒体内容总监许绿芸，秉承各自在艺术、设计、大众审美领域的专业意见，为2024年的ART021评选出3个获奖展位：“BEST BOOTH 最佳展位”、“BEST PRESENTATION 最佳呈现”和“BEST CONCEPT 最佳理念”。

  吴滨，AD100上榜设计师，其设计领域包含室内、建筑及产品。他拥有20多年设计经验，创导“摩登东方”设计语言。曾11次入选被誉为室内设计奥斯卡的Andrew Martin国际室内设计大奖，并于2020年斩获“全球年度设计师”大奖，是首位获此殊荣的中国大陆设计师。

  包一峰，时尚艺术公关一哥，20世纪90年代开始接触国际奢侈品，2002年创立霖杰公关，专注时装、生活方式、娱乐、艺术与设计相关客户的媒体关系维护、市场推广、活动策划、嘉宾邀约等服务。 同时长期关注中国当代艺术的发展，帮助年轻艺术家与独立设计师加深其影响力，扩大市场份额。

  2013年加入《安邸AD》。2020年，她发起“AD Casa”展览，以公开展览形式，向世界传播中国当代最美丽的家的美学，分享最前沿的生活的艺术。2021年，她为《安邸AD》成功将中国版AD100项目与全球AD连接共创AD WOW List。此外，她支持中国建筑设计新锐的发展，2020年，创立“AD100 YOUNG 中国最具影响力100位建筑和室内设计新锐”奖项，每两年一度发布名单。

  北京公社建立于2004年，以阐释和推动中国当代艺术的发展为己任，对当代艺术中的新变化保持着敏锐观察和热情参加。近年，北京公社慢慢的变成了年轻一代艺术家探讨新议题的重要空间，画廊所代理的新生代艺术家的实践正在铺展开中国当代艺术的新动向。本届ART021，北京公社带来洪浩、梁硕、梁远苇、刘建华、马秋莎、毛焰、尚一心、石佳韵、宋冬、王光乐、王鲁炎、谢墨凛、闫冰、杨心广、尹秀珍、张晓刚、周轶伦等艺术家的作品，呈现中国本土不同代际艺术家之间的对话。

  南柯画廊在ART021呈现六位青年艺术家的作品。本次的展陈将以 “90年代的上海客厅”为策展主题，展位中将使用大量的木饰面与家庭化的装饰，以再现一代人儿时居住过的老房子，希望带领观众重温那个温柔且有力量的时期。展位将呈现两套展陈方案，在藏家预览日 (11.07–11.08) 展出黄加煜、董孝驰、霍尔登·威勒 (Holden Willard) 的绘画作品，公众日 (11.09–11.10) 则呈现女性艺术家白梦帆、朱雪晴、王韫纯的群展项目。展位由画廊主Otto Neu亲自设计，延续并拓展艺术家的视觉语言，带领观众走进“90年代的上海客厅”。

  THE SHOPHOUSE在展位呈现赛巴斯汀·伯格（Sebastian Burger）个展。Sebastian Burger的创作聚焦于身体、动作和空间，但他用铝制框架等金属元素去强调其中的物质性。作为一位科班出身的艺术家，他曾师从尼奥· 劳赫，作品始终植根于西方艺术史的传统，但画面带着一种超现实的视角。在本次展览中，艺术家的媒介悉数为铝板油画。展陈的铝材结构也由此而来。